C’è qualcosa di ineffabilmente cinematografico in Greta Bellamacina – non solo nel modo in cui si muove nel mondo, ma in come ne parla: con lirismo, sensibilità e una quieta ribellione contro le convenzioni. Poetessa, attrice, regista e musa, abita le terre di confine tra le forme d’arte – un luogo dove il cinema diventa poesia e il movimento diventa linguaggio.

In “Things and Other Things” (Cose e Altre Cose), la sua seconda collaborazione con il regista Riccardo Vannuccini, Greta esplora un paesaggio onirico post-industriale dove il significato è fluido e le parole si dissolvono in gesti. Il film si sviluppa come una poesia – ellittica, tenera, surreale – e la presenza di Greta nel suo cuore appare al tempo stesso antica e sorprendentemente moderna.

Nella nostra conversazione, riflette sull’alchimia della performance e della vulnerabilità, sulla poesia come strumento per dire la verità, sull’assurdità del capitalismo e sulla bellezza del non far nulla. Parlare con lei è come entrare in un mondo parallelo – uno in cui l’immaginazione rimane una forma di resistenza, e dove, come dice lei, “un film non ha nulla da nascondere”.

Qual è il tuo primissimo ricordo cinematografico?

“Il Mago di Oz” – ricordo di aver desiderato avere un paio di scarpette rosse rubino che scintillassero come quelle del film e potessero portarmi in mondi nuovi.

“Things and Other Things” è la tua seconda collaborazione con Riccardo Vannuccini, che ha scritto sia questo film che “Commedia” pensando a te. Come si è evoluto il vostro rapporto creativo tra i due progetti?

Mi sento molto fortunata ad aver realizzato questi due film insieme a lui. Sono alcuni dei miei lavori di cui sono più orgogliosa. Prima di iniziare “Commedia” ero nervosa. Riccardo mi aveva scritto per raccontarmi la storia, ma poi, quando ho letto la sceneggiatura, assomigliava più a racconti di sogni, surreali e familiari allo stesso tempo. A volte seguiva la storia, a volte le sfuggiva. Non riuscivo a immaginare esattamente come lo avremmo girato, ma poi, quando ho compreso il lavoro teatrale di Riccardo, ho capito che il processo sarebbe stato più simile al suo teatro. Gran parte del processo con Riccardo consiste nel seguire la sensazione, piuttosto che pensare alla forma complessiva della storia. È un modo romantico di fare cinema, un modo che non segue una formula predeterminata. Immagino che questa sia la bellezza di fare cinema indipendente. Speri di realizzare qualcosa di unico, ma anche qualcosa che ti avvicini alla vita reale, piuttosto che al cinema fatto solo per intrattenimento. Se non credi nella sensazione, tutta la verità svanisce. Gran parte della recitazione è credere.

Con questo film sapevo che la forma sarebbe arrivata più tardi, si trattava di rimanere il più connessa possibile alla verità del personaggio e permettere che una vera spontaneità accadesse al personaggio.

Prima delle riprese, ti sei unita alla compagnia teatrale di Riccardo a Roma, esibendoti con la sua compagnia all’Ara Pacis. In che modo quell’immersione nel suo mondo teatrale ha plasmato il tuo approccio al tuo ruolo in “Things and Other Things”?

Ho recitato in uno degli spettacoli di “Peace” (Pace) di Riccardo con la sua compagnia teatrale a Roma, all’Ara Pacis. La performance iniziava a mezzanotte ed è durata un’ora. Un sogno di pace messo in scena mentre tutti stavano sognando.

La sua compagnia teatrale è speciale, diversa da qualsiasi altra con cui abbia lavorato prima, raccontano storie di amore e guerra. La compagnia è composta dal suo gruppo principale di attori con un coro mobile di attori aggiuntivi che provengono dai progetti di “teatro terapia” che Riccardo realizza. ArteStudio ha una storia ventennale di “teatro terapia” – lavora nelle carceri, negli ospedali psichiatrici e nei campi profughi in tutta Italia con persone incarcerate e sfollate, e le persone con cui lavorano in quelle situazioni spesso si uniscono alle produzioni e diventano parte della compagnia. Questa idea fondamentale di tendere la mano alle persone che vivono situazioni difficili, e del teatro come guarigione, è nell’anima di ciò che fa ArteStudio.

Abbiamo provato lo spettacolo in uno studio di danza e gran parte del lavoro consisteva nel capire i tempi. Le sue scenografie sono semplici, spesso una fila di sedie che viene spostata, un orsacchiotto smarrito, pezzi di vecchia spazzatura, vecchie scarpe e vestiti. Ma ognuno racconta una storia, un naufragio, e c’è sempre qualcosa che accade. Un personaggio che raccoglie le scarpe, un’altra persona che strappa un pezzo di carta, qualcun altro che borbotta in una lingua diversa. C’è in loro un disordine di follia e ordine. A momenti tutti si riuniscono, ma lo stare insieme è più un grido frenetico, che un’uniformità di armonia. Ho scritto una poesia per lo spettacolo intitolata “Meltdown” ispirata alla recente guerra appena scoppiata in Ucraina. L’ho recitata in inglese e Riccardo l’ha detta in italiano. Questo spettacolo e il precedente film “Commedia”, anch’esso realizzato prima a Roma, mi hanno dato la sicurezza di lasciarmi andare e di comprendere veramente il momento durante le riprese, questo è una sorta di dono per un artista.

“Un sogno di pace messo in scena mentre tutti stavano sognando.”

Riccardo proviene da una forte tradizione di teatro del movimento, radicata nella voce e nel corpo piuttosto che nella narrazione. Com’è stato per te, come attrice cinematografica, adattarti a quel tipo di linguaggio fisico e poetico?

Sì, Riccardo è molto interessante – è prevalentemente un regista teatrale che lavora con il teatro del movimento in modo simile a Pina Bausch, ma con voce e testo. La danza diventa un linguaggio a sé stante nei film. Con il più piccolo dei movimenti, il corpo sembra essere in grado di dare vita al non detto. Può essere semplice come camminare all’unisono, o entrambi i personaggi che agitano le mani in concerto proprio nel momento in cui pensi che potrebbero aver rinunciato, loro vedono la vita. Mi piace l’idea che la danza possa sostituire un mondo binario, a volte le parole sono troppo definitive. Il movimento può essere un modo per lasciar andare e confondere nuove idee insieme, ed esprimere relazioni oltre il linguaggio.

In “Things and Other Things” il mio personaggio, Irene, e il personaggio di Riccardo, Rocco, si ritrovano in un mondo post-industriale, un mondo abbandonato, dove non succede quasi nulla. Restano con la loro immaginazione e i loro sogni. Lasciati a giocare come bambini. Nessuno dei due parla la stessa lingua. È una storia alla Aspettando Godot in cui si attende che succeda qualcosa, e lungo la strada incontrano persone e oggetti sfollati che suggeriscono che tutti sono ora, per qualche motivo che non conosciamo, sfollati dalle loro case. Si ritrovano a camminare attraverso accampamenti con altri personaggi che non parlano la stessa lingua. In un certo senso il linguaggio non è sufficiente a raccontare la storia. Il movimento è un modo per trovare una nuova lingua. Quindi viene utilizzato il movimento simbolico, e illustra relazioni non linguistiche. Riccardo ha detto che il film non ha la narrazione logica di un romanzo, ma invece la “narrazione simbolica” di una poesia.

Il film è stato descritto come “non è successo nulla, il che significa che può succedere qualsiasi cosa”. Come hai interpretato personalmente quell’idea nell’entrare nel tuo personaggio? Secondo te si applica alla vita reale?

Sognare è una parte importante di questo film. Il mio personaggio vive della sua immaginazione. La sceneggiatura finale è molto nella testa di Riccardo, quando giriamo, lui praticamente non va a dormire dopo che lasciamo il set. Schizza perennemente idee in un taccuino, fino al momento in cui la telecamera inizia a girare. Gran parte della preparazione per me come attrice è prima di iniziare. Imparo tutte le battute, faccio molte domande e leggo tutta la letteratura a cui si fa riferimento. Poi, il giorno delle riprese, si tratta di essere il più aperta e libera all’idea della scena possibile, permettendo al momento di entrare nello spazio. Dimenticare tutto e lasciare che accada l’inaspettato. Ad esempio, molti dei riferimenti letterari in “Things and Other Things” sono un modo per mostrare i due personaggi che giocano, come bambini. Senza più beni, solo le opere letterarie che sembrano perseguitare le loro anime e vivere nella loro pelle. Questo è tutto ciò che hanno alla fine. Ad esempio, c’è una scena in cui Irene recita l’iconica scena di Romeo e Giulietta “Vuoi andartene, non è ancora giorno” a Rocco, ma invece di essere in un letto, io sono in cima a una scala e dico le parole attraverso le braccia e il corpo di un orsacchiotto, come uno spettacolo di marionette. E Rocco, anch’egli su un’altra scala, ascolta le parole, tenendo in mano un orso, fingendo che sia Romeo. È stato molto divertente imparare battute di grandi opere e raccontarle di nuovo in un modo molto poco serio. Ho imparato ad amare davvero questo modo di lavorare. A uno strano meta livello, aiuta con la performance, perché questo personaggio reagisce in tempo reale, conosco la sua storia privata, ma la sua realtà sono i suoi vagabondaggi in un mondo apocalittico.

Rimanere nel momento mantiene un senso di realismo e di inaspettato nel resto del film.

Riccardo ha detto che il film è strutturato come una poesia piuttosto che come un romanzo. Cosa significa per te, come attrice e poetessa, esibirti all’interno di un film che respira come poesia?

È un dono. Voglio dire, la verità nel mio lavoro. Non voglio creare un mondo che abbia una formula. È crudele far credere alle persone che ci sia una formula per la vita. Così tanto è fuori dal nostro controllo. Stiamo tutti cercando di capire insieme. Quindi, realizzare un film che abbia una struttura rotta e indefinita sembra un dono.

Penso che “Things and Other Things” sia distintamente europeo per il suo cast multilingue, in cui ogni attore parla nella propria lingua. Che tipo di energia o realismo pensi che questo abbia portato al film?

Riccardo non ci ha sempre dato la “stampella del linguaggio” – il film è distintamente europeo in quanto tutti gli attori parlano nelle proprie lingue – italiano, inglese, francese, tedesco e arabo. Molto spesso un attore non capisce cosa stia dicendo l’altro attore con le parole, ed è qui che entra in gioco la poesia del movimento. È profondamente interessante e molto poetico, e penso che Riccardo stia facendo qualcosa di unico portando il suo linguaggio del teatro fisico nel cinema. Non conosco nessun altro regista che lavori in questo modo. Penso che per questo i suoi film si sentano molto più vicini alla vita reale. Mantenendo le diverse lingue, penso che la storia sia in grado di assumere un livello più profondo di esperienza vissuta. Forse siamo tutti sfollati? Forse siamo tutti molto più vicini l’uno all’altro di quanto pensiamo? È un messaggio potente perché, al di là del linguaggio, viviamo tutti nei nostri corpi, nelle nostre teste, nei nostri cuori. In questo film la moltitudine di lingue non è un ostacolo, è un incontro. Qualcosa che non avevo mai visto accadere prima nel cinema.

“il film è distintamente europeo in quanto tutti gli attori parlano nelle proprie lingue – italiano, inglese, francese, tedesco e arabo. Molto spesso un attore non capisce cosa stia dicendo l’altro attore con le parole, ed è qui che entra in gioco la poesia del movimento.”

C’è un forte senso di meraviglia infantile tra il tuo personaggio e quello di Riccardo. È stato qualcosa su cui avete lavorato consapevolmente, o è emerso naturalmente dal suo metodo?

Abbiamo girato in Toscana in inverno. La campagna toscana è molto malinconica in inverno e la luce sembra sempre essere gialla. C’è un bagliore nostalgico nel luogo, anche nel pieno inverno. C’è qualcosa di molto antico nel paesaggio, c’è qualcosa di molto immobile nel tempo e nello spazio del luogo. Lo si percepisce sicuramente di più in inverno. Riccardo ed io ne abbiamo discusso insieme, abbiamo discusso del modo in cui il paesaggio sembrava immutato e intatto dal mondo moderno. Di come l’inverno ne sia un promemoria, con solo gli animali della fattoria e i campi vuoti. Soprattutto quando tutti i raccolti vanno a dormire, sembrava riecheggiare un paesaggio di Terrence Malick, quindi un riferimento cinematografico è stato “Badlands” e poi un altro è stato il nostro primo film “Commedia”, ambientato nel paesaggio intorno a Roma e Ostia in inverno.

Riccardo ha detto di voler fare un film sul non far nulla, l’opposto di questo mondo frenetico di oggi. Non fare nulla, in un luogo che dorme, sembrava un’idea importante. Abbiamo girato una delle scene in una vecchia casa abbandonata in un allevamento di maiali da macello, tra uno scatto e l’altro, c’era un suono ossessionante dei maiali che piangevano in lontananza. Forse un lontano promemoria di questo mondo in cui siamo arrivati a vivere. Gli animali non mentono mai. Per quanto riguarda me e Riccardo, volevamo che la relazione di Irene e Rocco fosse in qualche modo innocente e infantile. Come se Bonnie e Clyde fossero bambini.

Il design su misura di Pier Paolo Piccioli per il tuo personaggio si è rivelato la sua creazione finale per Valentino. Com’è stato incarnare un ruolo indossando un pezzo così simbolico della storia della moda?

Gli abiti di Pier Paolo sono fatti per il cinema, perché trascendono il tempo, ti fanno credere che la bellezza possa esistere tutt’intorno, anche in un’epoca infranta. Abbiamo collaborato per la prima volta nel 2019, quando ha intessuto la mia poesia nella sua collezione Autunno/Inverno per Valentino. L’abito che ha realizzato per il mio personaggio nel film aveva una certa qualità onirica. Abbiamo girato “Things & Other Things” interamente in luoghi abbandonati in Toscana, un vecchio parco a tema abbandonato, un vecchio ospedale, una vecchia scuola… nel pieno inverno. In un certo senso i costumi creano un contrasto visivo con queste ambientazioni, una qualità da sogno. Poiché l’atmosfera è così malinconica, l’abito assume un significato diverso. Ti permette di guardare oggetti e costumi fuori dal loro contesto, come spesso fanno i bambini quando giocano a travestirsi. Ad esempio, c’è una scena in cui trovo il bellissimo vestito blu, e non so cosa sia. La volta successiva che mi vedi lo indosso su un letto in un campo fatto di spazzatura rotta. Rocco sta gonfiando lo strascico di sei metri e a prima vista sembra essere il mare, poi a un’occhiata ravvicinata potrebbero essere le vele di una barca, poi ti rendi conto che è un bellissimo vestito, che è fuori posto.

Penso che ci sia qualcosa di molto bello nell’avere costumi che diano un contrasto visivo reale al mondo.

“In un certo senso i costumi creano un contrasto visivo con queste ambientazioni, una qualità da sogno.”

Come modella tu stessa, che ruolo gioca la moda nella tua vita, attualmente?

Vedo l’abbigliamento come uno specchio personale del mondo. Una protezione ma anche un accoglimento e un sentimento. Fare la modella è come sognare, davanti alla telecamera voglio mostrare un flusso di coscienza che forse qualcuno all’esterno può seguire. È divertente pensare ai vestiti come uno strumento per raccontare una storia.

Come poetessa, invece, qual è una poesia o un verso di una poesia che senti che rappresenta proprio questo momento della tua vita?

Al momento, sono più questi testi di canzoni che una poesia, sono i versi:

And I follow, follow, follow

The gypsy faerie queen

We exist, exist, exist

In the twilight in-between

(E io seguo, seguo, seguo / La regina fata zingara / Noi esistiamo, esistiamo, esistiamo / Nel crepuscolo in mezzo)

È una canzone chiamata “Gypsy Faerie Queen”, scritta da Nick Cave e Marianne Faithful. È entrata nelle nostre vite come un mantra per l’ultimo anno… Cerca la magia e segui, segui, segui…

Cosa stai leggendo in questo momento?

Attualmente sto leggendo la raccolta di saggi surreali e ibridi di Danielle Dutton intitolata “Prairie, Dresses, Art, Other” (Prateria, Vestiti, Arte, Altro). Ho anche appena scoperto la poesia di Sebastian Barker, adoro il componimento “The Uncut Stone” (La Pietra Non Tagliata). C’è un ritornello che la attraversa e che dice: “Sono la voce delle cose antiche, sono il pubblico che nessuno canta”. Sebastian era il figlio di Elizabeth Smart. Mio marito Robert Montgomery ha recentemente realizzato un dipinto di Elizabeth Smart e dei suoi figli per una mostra a Charleston, e in quel processo abbiamo scoperto la poesia di Sebastian.

Qual è l’ultimo film o programma TV che hai visto che ti ha particolarmente impressionato?

“Parthenope” di Sorrentino, l’ho trovato brillante.

Hai dei rituali o delle abitudini che ti aiutano a entrare in una modalità creativa?

La musica di solito mi aiuta a trovare un punto di partenza. In un certo senso offusca il mondo esterno e il mondo domestico allo stesso tempo. Anche la ricerca è un ottimo modo per entrare nella creatività, per esempio se sto lavorando a una sceneggiatura, mi piace fare più ricerche possibili su di essa. C’è sempre qualcosa che mi tocca in seguito e mi resta dentro.

In che modo ti senti più vulnerabile e come trasformi quella vulnerabilità in forza?

Sono piuttosto timida, quindi spesso mi costa molto esibirmi. Ma ho imparato che recitare significa tradurre visivamente un mondo interno, elaborarlo prima dentro, il dialogo è per lo più irrilevante, tutto ciò che è importante sta accadendo nella testa del personaggio. È quella conversazione silenziosa che stiamo avendo dentro di noi, ed è anche lì che spero di andare quando scrivo. Quel pezzetto di sé dove sentimenti e rivelazioni vanno e vengono. La vita passa in una moltitudine di immagini. I ricordi vengono rivissuti e riscoperti. Non so perché alcune immagini tornino più spesso di altre, ma questo mondo è il mondo dell’incompiuto e del complicato. Penso che sia questo complesso flusso di pensiero che ci connette tutti insieme. La vita di nessuno è semplice, ci avviciniamo nel dolore e nella scoperta e nell’incompletezza. Trovo questo processo confortante, e mi dà la fiducia per continuare a esplorare.

Cosa ti fa sentire al sicuro e cosa ti rende fiduciosa?

Guardando indietro alla mia storia, molte delle risposte sono già lì.

La recitazione, così come la scrittura, a mio avviso, ti confronta spesso con aspetti inesplorati dell’essere umano e, di conseguenza, ti aiuta a capire meglio te stessa. Qual è l’ultima cosa che hai scoperto su te stessa attraverso il tuo lavoro?

Riscoprire l’umorismo. L’umorismo è un ottimo modo per porre e affrontare domande importanti senza essere troppo moralistici. In “Things & Other Things”, penso che Riccardo stia sottolineando che il capitalismo come sistema è in realtà piuttosto assurdo, non più logico di qualsiasi altra cosa, e spero che i suoi personaggi esprimano il nostro reciproco disorientamento in questo momento di disuguaglianza di ricchezza e catastrofe climatica. Il film pone molte domande che sono sociali e politiche, ma mantiene il suo senso dell’umorismo. A differenza del teatro – che è un ibrido di dispositivi drammatici che si uniscono per raccontare una storia, ma dove siamo ancora consapevoli di essere a teatro a guardare gli attori esibirsi – il cinema spesso cerca di essere ingannevole, in quanto il cinema finge di essere reale. È raro rompere la quarta parete nel cinema e rivelare al pubblico che stai guardando degli attori. Questo è qualcosa che Riccardo è molto abile nel fare, con un grande senso dell’umorismo. Proprio quando inizi a credere a questi personaggi, sovverte l’apparente verità del film. Dice al pubblico che questo è cinema, e questi sono attori in costume. C’è un approccio surrealista, ti tiene in discussione sulla tua posizione.

C’è una scena alla fine del film che adoro. Vedi Irene e Rocco in macchina, all’inizio pensi che stiano andando via sotto la pioggia torrenziale, come alla fine di un road movie americano. Ma poi la telecamera si allontana, e vedi un personaggio di una scena precedente che tiene un innaffiatoio sopra un’auto ferma, è solo un autolavaggio, e l’auto non sta andando da nessuna parte. La scena passa dal serio al comico e ti ricorda di nuovo che questo è un film e non è affatto reale, come nelle produzioni di Cechov di Thomas Ostermeier, questo rompere la quarta parete, si spera, ti fa mettere in discussione come pubblico e la tua posizione nel mondo.

Il film non ha nulla da nascondere, e voi?

Cosa vorresti vedere fuori dalla finestra, ora e per sempre?

Immagini a rotazione dei miei figli e di mio marito Robert in viaggio insieme.

Sei un nottambulo o una mattiniera? Qual è il tuo momento preferito della giornata?

Mi piace la mattina per scrivere e la notte per le idee e il gioco.

Se dovessi descrivere te stessa con tre immagini – una dalla tua infanzia, una dal presente e una dal futuro – quali sarebbero?

1. Imparare a suonare il violino in una vecchia soffitta a scuola.
2. Annaffiare i gerani.
3. Guardare un nuovo cielo blu brillante.

L’ultima persona o evento che ti ha fatto sorridere?

Ersilia, mia figlia, con il suo sorriso elettrico.

Il tuo più grande atto di ribellione?

Rimanere curiosa.

E il tuo più grande atto di coraggio?

Mantenere un cuore aperto e credere nelle possibilità della bontà.

Qual è, invece, la tua più grande paura?

Il Tempo. È sempre stata la mia battaglia permanente, la mia resistenza permanente. Da bambina, sapevo della sua importanza. La surrealtà del tempo e la sua mancanza di forma. Penso che sia per questo che mi piace scattare foto su pellicola da 35 mm. Sono sempre stupita dal senso di distacco che ha un’immagine, specialmente le fotografie su pellicola, e penso che questa sia una buona metafora del modo in cui scrivo. È una collezione rotta di ricordi che contengono qualcosa di significativo per me, che vivono nel presente ma provengono da un tempo diverso. Non so esattamente perché alcune immagini siano più potenti di altre. Ma interrompono il presente dentro di me. È come se volessero trovare la via d’uscita. I ricordi sono in un certo senso come delle presenze.

Cosa significa per te sentirti a tuo agio nella tua pelle?

Sono una perfezionista, ma negli ultimi anni ho imparato a concedermi una pausa, a trovare gioia nei momenti inaspettati. A ridere il più possibile. Invecchiando, sto imparando a lasciare che le cose passino più velocemente e a vivere nel presente il più possibile. Mi piace pensare che abbiamo davvero solo un giorno!

Qual è il tuo posto felice?

Tra le braccia di Robert Montgomery.

Photos & Video by Johnny Carrano.

Styling by Rachel Bakewell.

Assistant styling Millar Wyatt.

Hair by Raphael Salley.