Quando incontri Natalia Reyes, ciò che ti colpisce immediatamente è la sua dolcezza unita a un’intelligenza profonda: quella forza silenziosa che definisce tanto la sua presenza quanto le sue interpretazioni. Natalia ha sempre gravitato attorno a storie urgenti, umane, dolorosamente reali. Con “Una notte a Caracas”, adattamento dell’acclamato romanzo di Karina Sainz Borgo, torna nel cuore dell’America Latina, in una storia che è al tempo stesso profondamente personale e tragicamente universale.

Il film segue Adelaida, una giovane donna costretta a fuggire dal proprio Paese in rovina mentre violenza e repressione la circondano. Attraverso lo sguardo di Natalia, assistiamo alla perdita dell’identità, alla frattura dell’appartenenza e a quella scintilla ostinata di speranza che si rifiuta di morire anche nei momenti più bui.

Durante la nostra conversazione, Natalia racconta il lungo e intenso percorso che ha portato alla realizzazione del film – dodici anni di lavoro – la sfida di interpretare una storia venezuelana da attrice colombiana e i temi universali di lutto, resilienza e rinascita che definiscono il viaggio di Adelaida e, in fondo, quello di tutti noi.

Come sei entrata in contatto con questo progetto? Cosa ti ha fatto dire “sì, voglio farlo”?

Questo progetto ha impiegato moltissimo tempo per concretizzarsi: dodici anni. Jill [Littman], una delle produttrici, mi parlò della storia quando eravamo a Los Angeles. Quando mi raccontò del libro e di tutto il progetto, rimasi subito colpita ed entusiasta all’idea di farne parte. Naturalmente, ci è voluto del tempo per trovare i fondi, le location, il cast… alla fine siamo riusciti a girarlo solo l’anno scorso, dopo una lunga attesa.

Per me è stato un “sì” immediato. Sono colombiana, ma Colombia e Venezuela sono Paesi gemelli, le nostre storie sono così simili. Metà della mia famiglia era emigrata in Venezuela, e ora sta tornando indietro. Quindi ho sentito che questa storia era fondamentale da raccontare: non solo ciò che è accaduto in Venezuela nel 2017, ma anche ciò che continua ad accadere oggi, e che purtroppo sembra destinato a ripetersi. Dico sempre che non è una questione di destra o sinistra, ma di regimi, di governi e sistemi totalitari che opprimono le persone.

“Dico sempre che non è una questione di destra o sinistra, ma di regimi, di governi e sistemi totalitari che opprimono le persone.”

Abbiamo intervistato anche Edgar Ramírez, e lui diceva che nel film non si sentono mai nomi, si percepisce solo il sistema, e tutti sono sottomessi a qualcuno. Da attrice, cosa ti ha spaventato di più o ti ha messo maggiormente alla prova? E cosa, invece, sentivi più forte il bisogno di raccontare?

La sfida più grande era proprio il fatto di essere colombiana e non venezuelana. Era una responsabilità enorme rappresentare con rispetto e autenticità ciò che è accaduto nel Paese. Volevo farlo bene, perché chi ha vissuto tutto questo si sentisse rappresentato.

L’accento venezuelano è diverso dal mio, quindi anche quello è stato un aspetto impegnativo. Ma soprattutto, mi sono concentrata sul non interpretare Adelaida come una vittima, ma come un essere umano complesso. Questa non è una storia di buoni e cattivi: in certe circostanze, tutti possiamo diventare oppressori. Anche il mio personaggio, nel tentativo di sopravvivere e fuggire, finisce per trasformarsi.

Il film parla di questo: di come si scappa da una realtà insostenibile, di come gli esseri umani si adattano, e di come a volte anche le vittime possano diventare mostri.

Essere privati della propria identità sembra il filo conduttore del film — in senso letterale, morale, etico, fisico. Da attrice e da donna sudamericana, cosa ti dà la forza di restare ancorata alla tua identità, come persona, come cultura, come società?

Sì, questo film parla proprio di perdita e di identità, di ciò che ti rende chi sei: il tuo Paese, tua madre, i tuoi amici, la tua casa, i luoghi che conosci. Adelaida deve rinunciare a tutto. Scappa dal suo Paese distrutto, ha perso la madre, e non ha più un posto nel mondo. È una ragazza triste per il mancato diritto di esistere, di essere sé stessa nel luogo dove è nata e dove vorrebbe vivere.

Per noi latinoamericani, l’identità e la famiglia sono valori fondamentali, così come il senso di appartenenza al nostro mondo. È anche uno dei motivi per cui ho voluto fare questo film.

Curiosamente, i film che mi hanno portato più lontano, nei festival di tutto il mondo, sono proprio quelli “più piccoli”, indipendenti, autentici, dolorosi e vicini alle nostre realtà – come questo, in spagnolo e non un blockbuster americano. Credo che più una storia è locale e specifica, più diventa universale.

“Vuoi piangere, ma non puoi. Devi solo andare avanti, anche se sei a pezzi, ed è proprio questo che il film racconta.”

Il film si apre con il funerale della madre di Adelaida. Si capisce subito che persino il lutto non ha spazio nelle loro vite: anche il dolore viene negato. Com’è stato per te interpretare quelle scene, in cui non resta neppure la dignità della morte?

È tristissimo, ma anche profondamente universale. Pensiamo al Covid, alle proteste in Venezuela, a ciò che accade oggi a Gaza: viviamo in un mondo che non ci permette più di essere umani. Il lutto è parte essenziale dell’esperienza umana. Perdere una madre è forse la cosa più dolorosa che si possa vivere, ma non poter piangere, non avere tempo per farlo perché devi scappare, trovare un rifugio, un passaporto…

Durante le riprese avevo deciso di sentire fisicamente come se Adelaida avesse un coltello conficcato nel cuore: il cuore spezzato, ma ancora viva, costretta a sopravvivere. Vuoi piangere, ma non puoi. Devi solo andare avanti, anche se sei a pezzi, ed è proprio questo che il film racconta.

Abbiamo parlato anche di questo con Edgar: una cosa che ho trovato davvero interessante è l’uso del rumore. È pazzesco che l’unica cosa che si senta in tutto il film siano gli spari, le urla della gente e, in generale, tutto il frastuono della violenza. Per te è stato come un altro personaggio? Come hai lavorato su questo aspetto?

In realtà, è stata una delle cose che mi hanno più sorpresa quando ho visto il film, perché sì, è un personaggio a tutti gli effetti, sono totalmente d’accordo: è arte audiovisiva. L’audio viene prima del visivo, quindi il suono è davvero importante nel cinema. Oggi siamo molto più visivi, più legati alle immagini. Credo che i registi sapessero perfettamente cosa volevano fare, ma noi eravamo a Città del Messico, in studio, a girare le scene che dovevamo fare, cercando di percepire il contesto delle proteste all’esterno, anche se in realtà non le sentivamo e non ne eravamo consapevoli mentre giravamo. Però penso che sia importante ciò che lei sente. Come dicevi, non volevamo rendere il regime il protagonista, non volevamo che fosse “il volto” del film – infatti si vedono pochissime scene violente. Ci sono immagini dolorose, ma non è quello il punto: si sente, però, quanto è terribile ciò che accade fuori, la musica delle donne nell’appartamento di fronte, che in un certo senso insegue Adelaida e la spinge a sentirsi ancora più fuori dalla sua comfort zone.

Quindi sì, credo che il suono sia davvero fondamentale in questo film: hanno fatto un lavoro straordinario, e per chi si è occupato di quella parte sono stati mesi di lavoro per far sì che non diventasse “troppo rumore”, mantenendo invece tutta la dimensione interiore che Adelaida prova, circondata da quella situazione.

Non si vede molta violenza, ma la si immagina attraverso i movimenti e le espressioni del tuo personaggio. Penso che per lo spettatore sia un’esperienza più profonda, perché se la vedessi, le daresti un volto; ma se la senti soltanto, non sai che aspetto abbia, e questo spaventa ancora di più. Adelaida dice che sarebbe andata fino alla fine del mondo con Francisco, e in un certo senso, quando l’ho vista portare la loro foto in Spagna, ho sentito che in effetti lo stava portando con sé fino alla fine del mondo, che stava mantenendo la sua promessa. L’ho trovato molto profondo, poetico. La memoria ha sempre un ruolo: che ruolo ha per te?

Il conflitto in Venezuela non è così antico: va avanti da vent’anni. E non si tratta di chi è al potere o se sia di destra o di sinistra, ma di un regime che esiste ovunque nel mondo – un sistema di controllo che cerca di gestire ogni movimento dei cittadini. È il più grande problema migratorio del mondo: otto milioni di venezuelani sparsi per il pianeta. Proprio perché dura da così tanto, è difficile da comprendere, ma è davvero la crisi migratoria più grande di tutte. Sono tantissime persone ovunque, e anche se molti sono riusciti a scappare, non erano liberi di scegliere: non potevano esistere nel loro Paese, non potevano lavorare, curarsi, mangiare decentemente.

Stiamo solo cercando di raccontare una storia che è memoria per un Paese, per qualcosa che è accaduto e che sta ancora accadendo. È stato difficile per loro raccontarla, ed è per questo che abbiamo sentito fosse così importante farlo noi stessi. Quando ho letto il libro di Karina Sainz Borgo, ho pensato: “Finalmente qualcuno è riuscito a mettere questa situazione in parole”. Sai, noi non eravamo in grado di farlo, perché stavamo solo cercando di sopravvivere. E quando stai cercando di sopravvivere, non puoi creare arte: ed è proprio questo che vogliono i regimi, che tu non pensi, ma sopravviva soltanto. Credo che questo sia l’aspetto più importante del film: avere finalmente il tempo e i mezzi per realizzare un’opera su qualcosa che sta accadendo, mentre prima nessuno poteva nemmeno parlarne.

Alla fine la vediamo in pace, di fronte al mare, che credo sia una metafora della libertà. Qual è il tuo luogo di libertà? Il tuo “happy place”?

È buffo: io vengo da Bogotá, in Colombia – non abbiamo il mare, ma l’oceano per me rappresenta la libertà. Quando sono in Cartagena, con mio marito e mia figlia, cerchiamo sempre di stare vicino al mare. Sentiamo che è ciò che ti fa sentire libero e radicato alla terra. Penso che sia lo stesso per Adelaida: in quell’ultima scena del film, quando sale sull’aereo per iniziare un nuovo capitolo, c’è l’oceano aperto, come una nuova opportunità, una nuova vita che la aspetta. Ma se ci pensi, cosa succede dopo? Quando arriva in Spagna dovrà ricominciare da zero, senza amici, senza famiglia, senza lingua. È devastante quando sei “nessuno”. Quindi, l’oceano è una metafora di quanto possa essere grande e piena di speranza la necessità di ricominciare da capo.

È un ciclo senza fine, ma quella scena ti dà speranza, anche se sai che non sarà facile. E credo che la speranza sia qualcosa che nessuno può portarci via.

“Ma se ci pensi, cosa succede dopo?”

Per Adelaida i libri sono davvero importanti, forse l’ultima cosa che vuole tenere con sé, oltre ai ricordi. Quali libri consiglieresti di leggere? Cosa stai leggendo in questo momento?

Sì, Adelaida vuole riavere la sua casa, ma ciò che porta con sé – i libri e le fotografie – sono i suoi ricordi. È ciò che la fa ricordare sua madre e il mondo prima del crollo.

Amo andare ai festival del cinema non solo per presentare film, ma anche per guardarli: credo che cinema, libri e fotografie siano memoria.

Consiglierei assolutamente il libro di Karina, da cui è tratto il film – vive in Spagna e ha scritto molti altri libri meravigliosi. Inoltre, sto leggendo molto sul tema della perdita: c’è un’autrice colombiana che adoro – scrive tra poesia e narrativa, in modo molto personale. Il libro che sto leggendo ora si intitola “Lo que no tiene nombre” – parla della perdita di suo figlio a New York, che soffriva di schizofrenia, una storia davvero dolorosa. In questo periodo sto leggendo anche Laura Restrepo, autrice di “Hot Sur”, un romanzo sulla migrazione e su una donna che cerca il sogno americano, ma trova l’inferno.

Mi ha molto colpito quando Adelaida cambia nome, che era quello di sua madre e quello che avrebbe dato a sua figlia. Mi ha fatto pensare alla paura: qual è la tua paura più grande? E cosa ti fa sentire al sicuro?

Credo che la perdita del proprio Paese, della madre e della propria identità – ciò che accade nel film – sia terrificante, perché è come perdere tutto nella vita. E poi la malattia: tengo moltissimo al sentirmi bene, al sentirmi in salute.

Qual è l’ultima cosa che hai scoperto di te stessa attraverso il tuo lavoro, attraverso i tuoi personaggi?

Penso che ogni personaggio mi lasci qualcosa, e cerco sempre di ritrovare una parte di me in lui. Mi aiuta anche a chiedermi: “Cosa farei io, se fossi in quella situazione?”. Credo che recitare sia un’arte molto personale – devi metterci qualcosa di tuo, con cui puoi risuonare profondamente. Per me è come una forma di terapia, perché mi costringe a confrontarmi con emozioni reali. È un vero viaggio, quello che viviamo attraverso i nostri personaggi.

Un’ultima domanda: il tuo più grande atto di ribellione?

In questo momento, raccontare questo tipo di storie. Ho lavorato negli Stati Uniti, ho fatto grandi film di franchise, quindi recitare è la mia vita – è il mio lavoro, ma anche ciò che amo. Tuttavia, ora che posso scegliere ruoli diversi, film che raccontano realtà difficili e scomode, penso che questa sia la mia ribellione: non fare ciò che dovrei fare, ma ciò che sento sia importante.

Photos by Johnny Carrano.

Location: Hotel Villa Mabapa.